Billy Joel - The Stranger

Billy Joel es un genio. Cuando descubrí su música simplemente aluciné. Fue de esos artistas que te preguntas dónde han estado todo este tiempo (o más bien dónde he estado yo). Su música es un ejemplo perfecto de lo que es saber componer canciones. Tengo una amiga que solía enseñarme las canciones que componía para que yo le diera mi opinión y que la ayudara a terminarlas. Muchas veces me preguntaba qué hacer para componer mejor y yo siempre le respondía lo mismo: "Escuchar a los que saben componer bien de verdad". Porque sinceramente, o eres un genio y la música simplemente sale de ti de forma natural o aprendes de los genios de verdad. Yo siempre nombraba a los mismos: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison o los Beatles en general, Billy Joel, Bob Dylan, etc. Empápate de la música de estos señores y con suerte algo se te pegará.

"The Stranger" es, en mi opinión, el mejor disco de Billy Joel. Tiene unos temazos increíbles. El disco empieza con "Movin' Out (Anthony's Song)". Destaca enseguida por el ritmo del piano rápido y continuo, en contraposición con la guitarra y el bajo que hacen una melodía lenta y con notas largas. También me gusta la parte instrumental entre estribillo y estrofa, le da un toque característico a la canción. La segunda canción es la que da nombre al disco: "The Stranger". Empieza y acaba con un piano solo muy lento y melancólico, que se refuerza con el sonido de un silbido. Queda genial. Después empieza la canción mucho más cañera. Destacar la diferencia de la melodía de la voz entre la estrofa y el estribillo. En el primer caso es más rápida y entrecortada y en el segundo más continuada y melódica. Con este tipo de cosas se consiguen canciones así de buenas. La siguiente canción es una de las famosas de Billy Joel: "Just The Way You Are". Es una balada bastante relajada con un teclado con un efecto curioso bastante marcado. El ritmo y estilo general recuerda un poco a bossa nova o smooth jazz.

A continuación tenemos la que es mi canción favorita del disco: "Scenes From An Italian Restaurant". Esta canción es una pasada. Tiene un montón de cambios diferentes. Empieza con un piano y un ritmo lento y de repente cambia a un ritmo más rápido. Y no se queda ahí, sino que más tarde vuelve a cambiar con una entrada muy pero que muy chula de piano. Por último cuando parece que va a terminar, vuelve al ritmo relajado del principio. Todo aderezado con toques muy importantes de saxo. Brillante.

"Vienna" es la siguiente canción. Es muy sencilla y ese es su punto fuerte. Tiene una melodía de la voz muy agradable al oído y unos detalles al piano sencillos pero efectivos. Además tiene un pequeño solo de acordeón. Típica canción de cantautor al piano. Después nos encontramos con "Only The Good Die Young", con un inicio que no te esperas y con una fuerte presencia de guitarras acústicas, siendo incluso más importantes que el piano para sacar ese sonido. Es una canción muy animada que invita a echarte un bailecito, sobre todo en el estribillo y en el mini solo de saxo.

La séptima canción es otro clásico de Billy Joel: "She's Always A Woman". Otra canción al típico estilo de cantautor al piano, sencilla y efectiva. Ésta, junto a "Scenes From An Italian Restaurant", conforman mis canciones favoritas del disco. Lo que más llama la atención de esta canción es el piano, que sigue un ritmo muy vivo, pero mantiene el estilo relajado de la canción. Es una canción genial.

"Get It Right The First Time" es una canción bastante marchosa con un toque bossa nova sobre todo en cuanto a la percusión y la flauta que suenan de fondo. Es divertida. Por último "Everybody Has A Dream" es una canción inspiradora. Con el órgano de fondo y los coros tiene un aire a gospel, que han llevado un poco hacia el rock o el soul.

En definitiva creo que este disco es genial. Para los que aprecian la buena música y las buenas composiciones. Es un estilo que me cuesta encuadrar bien en un lado o en otro, porque veo referencias a muchísimos tipos de música. Merece la pena escucharlo.

The Black Keys - El Camino

Hace relativamente poco que "descubrí" a The Black Keys. Ya sabía de su existencia pero nunca me había parado a escucharlos de verdad. Bueno, sin duda ha sido buena decisión dedicar un tiempo a escucharlos. He de decir que este grupo me ha sorprendido gratamente y bastante. Lo que escuché de ellos me gustó mucho, así que decidí comprarme algún disco. La verdad es que pensaba comprarme "Rubber Factory" o "Thickfreakness", que son de los primeros y parecían tener un toque bastante blusero, que me encanta, pero al final me compré "El Camino", más que nada porque era más barato que los demás, a pesar de ser el último que han sacado.

"El Camino" empieza con la que probablemente es el buque insignia del grupo actualmente: "Lonely Boy". Famosa no sólo por la canción en sí misma, que creo que es bastante buena, sino también por el videoclip, que se ha popularizado por la sencillez del mismo: un hombre bailando frente a la cámara. Ya está. Por si no lo habéis visto, aquí os lo dejo:

"Lonely Boy" es una canción pegadiza, con un riff sencillo y un estribillo que insta a mover las caderas, como bien nos ha enseñado el hombre del videoclip. Sinceramente me gusta mucho el sonido de la guitarra en esta canción. Últimamente me he enamorado del sonido tipo "fuzz", un sonido un poco como "roto" y forzado, que bien usado suena genial. Suena algo así en esta canción y también en otras del disco, como en "Run Right Back". Contrariamente a este sonido, usan mucho en el disco también un sonido muy limpio con algo de delay, que se nota en canciones como "Sister", "Hell Of A Season" o "Dead And Gone". En mi opinión la mejor de estas tres últimas es "Sister". Algo que creo que se nota mucho en el disco en general, es el estilo punk, no como en los orígenes del género, pero se ve en la sencillez de los acordes, los ritmos, etc. Y también en el sonido "sucio" que usan de vez en cuando, como he comentado antes.

Me gusta mucho la tercera canción del disco, que es "Gold On The Ceiling". Tiene un toque bastante blusero y rockero. Destaca el sonido que acompaña al estribillo de fondo, un sonido muy profundo y grave. No sé si será un sintetizador, o algún efecto en la guitarra, como un octavador y algo de distorsión, pero el caso es que mola, queda muy bien. Y después se completa con los punteos de la guitarra, que vuelven a darle ese toque blusero.
"Little Black Submarines" cambia de aires un poco. Es una canción acústica al principio que luego deja paso a las guitarras eléctricas distorsionadas. Suena bastante a rock clásico, sobre todo en el solo del final.
Donde se nota más el toque indie rock es en mi opinión en "Stop Stop". Muy buena canción y buen estribillo, con esos toques de xilófono y la voz femenina queda genial. Por lo demás es una canción bastante sencilla.

En general diría que es un disco donde destaca el rollo punk, con toques de blues e indie. Es entretenido de escuchar, y la verdad es que después de ver toda la puta mierda de música que hacen ahora, da gusto escuchar cosas así. Recomendado a los que les guste la buena música.

The Velvet Underground - Loaded

Pues aquí va un álbum de The Velvet Underground, que para el que no lo sepa es el grupo en el que estaba Lou Reed. De hecho este fue el último disco que hizo el grupo antes de que se fuera. A modo de curiosidad decir que el título del disco se debe a que la discográfica les dijo que tenían que hacer un disco "cargado de éxitos" ("loaded with hits"). Quizá por eso las canciones en general me parecen bastante "fáciles" de escuchar, porque lo hicieron con esa intención parece ser.

Hay que destacar que en este disco está la famosa "Sweet Jane" de Lou Reed. El estilo como he dicho me parece muy guitarrero, rock & roll sencillo y clásico. La música no tiene complicaciones, unas guitarras, unos punteos y poco más. Y no por ello es malo, todo lo contrario, siempre digo que casi siempre lo sencillo es lo mejor, si se hace bien claro. Esto está bien hecho. Personalmente me gustan "Who Loves the Sun", "Sweet Jane", "Rock & Roll", "Head Held High" y "Oh! Sweet Nuthin'".

"Who Loves the Sun" es una canción pegadiza, sobre todo el estribillo con los coros. Tiene un estilo un poco pop/rock. Mola bastante. Destacar el cambio instrumental repentino que hay en la canción tirando hacia el final. Desde luego es algo que no te esperas y en mi opinión queda un poco raro, aunque no mal. "Sweet Jane" es genial. Canción guitarrera y rockera, con una melodía de la voz divertida y entretenida, que no cansa en ningún momento. También destacar la introducción de la canción, un poco rara. No se muy bien a qué viene, pero estas cosas son relativas, y a veces tengo que admitir que meter cosas raras o que no te esperas es lo que te hace después mejorar. Con esto aprovecho y hago un pequeño inciso por lo de las "cosas raras". La verdad es que no me suelen gustar las canciones extrañas o raras porque sí. Pueden tener cosas buenas, pero para mí, si no me entretiene un mínimo, no me va a gustar. Se pueden hacer cosas extrañas que entretengan también, pero claro, ya es cuestión de gustos. En su momento escuché varios discos más de The Velvet Underground, y recuerdo bastantes de esas "cosas raras". Pero fue hace años, y quizá cuando lo escuche ahora no piense de la misma manera, así que tampoco me entretendré en esto, ya hablaré de ello cuando haga una entrada de esos discos.

"Rock & Roll" es muy del estilo de "Sweet Jane": guitarrera, rockera, sencilla. De hecho están tocando prácticamente los mismos tres acordes toda la canción sin cansarte (y eso que dura casi cinco minutos). Tiene algún cambio chulo, solos y partes instrumentales. En "Head Held High" nos encontramos con guitarras distorsionadas, ritmos típicos de rock & roll y una voz a gritos que, sinceramente, mola bastante. De esas canciones en las que te sorprendes a ti mismo marcando el ritmo con la cabeza. "Oh! Sweet Nuthin'" es una canción que me suena a Lou Reed. Enseguida la identificas con él. Y además en los primeros 5 segundos ya me ha convencido y me tiene en su mano. Ese toque de relax que inspira me encanta.

Probablemente, que yo recuerde ahora mismo, este es el disco más fácil de escuchar del grupo, quizá junto al anterior álbum, el homónimo "The Velvet Underground". Un buen disco de rock & roll.

The Kinks - Kinks Are The Village Green Preservation Society

Este disco es mi favorito de los Kinks. Es de esos discos que te gustan de arriba a abajo, y eso no es muy común, ni siquiera en los grupos más famosos y típicos. Y lo mejor no es sólo eso, sino que en mi opinión los Kinks es uno de los grupos que mejor hace sus discos como un todo, es decir, que tienen un montón de discos que al escucharlos no encuentras ninguna canción "mala", son todas ,como poco, aceptables. Es muy típico encontrarse discos con una canción muy buena que es el éxito, y las demás sin embargo no llegan a su nivel. Con los Kinks esto no ocurre tanto, sus discos famosos y mejores mantienen el nivel en todas sus canciones.

Mis canciones favoritas de este disco son unas cuantas, porque son todas geniales: "The Village Green Preservation Society", "Picture Book", "Johnny Thunder", "Big Sky", "Animal Farm" y "Village Green". Yo creo que una de las cosas más notables del disco es que en la mayoría de las canciones consiguen muchos matices diferentes sólo tocando instrumentos habituales en el rock como guitarras, bajo, teclado, batería y acompañado de voces y coros. En muchos grupos como los Beatles por ejemplo usan mucho orquestas consiguiendo con ello efectos muy interesantes y acabados geniales. Pero los Kinks lo consiguen sólo con guitarras y bajo. Esto hace que sea un disco de escucha obligatoria, si lo que quieres es aprender a hacer buena música.

Esto demuestra que en la mayoría de los casos lo simple y sencillo siempre gana. No hay que hacer algo complicado para que sea bueno, lo que no quiere decir que no haya cosas más complicadas buenas, las hay por supuesto, pero yo lo veo más bien como un añadido que hay que saber añadir. Por ejemplo a una canción de rock no hace falta añadirle un solo super potente y virtuoso para que sea la leche, de hecho hasta puede perder un poco si lo fuerzas. Pasa igual con técnicas tan admiradas y tan bien vistas como el tapping o con el hecho de tocar muy rápido. Nada de eso le da calidad a un solo o a una canción por sí mismo. Hay que saber hacerlo cuando hay que hacerlo y en su justa medida.

Una curiosidad es que de las 15 canciones principales que componen el disco original, 13 duran menos de 3 minutos, es decir que realmente son canciones bastante cortas, y aún así en tan poco tiempo hacen verdaderas joyas. "The Village Green Preservation Society" es una canción que inspira buen rollo y es muy pegadiza. "Picture Book" mola un montón por el toque de los "lalala" que siguen al estribillo. De "Johnny Thunder" destacaría la línea de bajo, y por supuesto también los "lalala" o los "papapa", esenciales en la canción. Dicho así suena a chiste, pero joder, sin esos toques la canción perdería muchísimo, es genial. Con "Animal Farm" y "Village Green" escuchamos instrumentos de orquesta de fondo, que quedan increíbles. En la primera destacar el principio de la estrofa que va como al ralentí y después sigue al ritmo normal. Es un detalle muy bueno. En la segunda notamos las cuerdas de fondo más claramente y también haciendo arreglos durante toda la canción, y sobre todo el toque del teclado al más puro estilo clásico barroco.

Es un disco que hay que escuchar porque es una lección interactiva de cómo componer música sin complicarse la vida. A comprárselo.

The Beatles - Revolver

Hoy toca un disco de los Beatles. No es uno de mis favoritos, pero es un buen disco en general. Tiene algunas canciones que me parecen muy buenas y otras no tanto y que me aburren un poco. Personalmente con los Beatles siempre me ha pasado una cosa, y es que sus primeros discos no me suelen gustar salvo canciones sueltas, y sin embargo según van avanzando a lo largo de los años este efecto ocurre al contrario, me gustan más los discos en general salvo quizá algunas canciones. Este está entre medias.

Hay canciones que me recuerdan un poco más a la etapa final de los Beatles y quizá por eso me gusten más, como "Eleanor Rigby", "I'm Only Sleeping", "Yellow Submarine", "For No One" o "Here, There And Everywhere". Estas canciones tienen un estilo diferente a las demás. Hacen unas melodías con la voz mucho mas originales que las demás y la música acompaña excelentemente a la voz, encajan muy bien. Además las letras están mejor hechas, quizá en ese aspecto "Yellow Submarine" falle un poco, que aunque no sea mala a lo mejor no es tan sofisticada, digamos, que las demás, pero hay que reconocerle que tiene una música pegadiza y divertida. Se ejemplifica mejor con la canción "For No One", que es mi favorita del disco. El ritmo principal de las estrofas que es entrecortado a "golpecitos" como si fuera un acordeón, en comparación con la voz que es muy suave y continua, con pocas pausas. De repente entra el estribillo con un cambio de la melodía y con ese toque de piano que queda magistral. Además el solo de tuba o trompeta es perfecto porque continua la suavidad que llevaba hasta el momento, y después sigue acompañando en el resto de la canción. Muy muy buena canción.

Sin embargo algunas canciones como "And Your Bird Can Sing" o "Doctor Robert" me recuerdan más al principio de los Beatles, y bueno... no me dicen gran cosa. Tienen un sonido de guitarra bastante surfero, rollo Beach Boys o algo así, y bueno como ellos mismos hacían al principio. Son canciones que rellenan un poco el disco, pero que no te paras a escuchar mucho tiempo, ni les prestas mucha atención. No tienen nada de especial para mi gusto.

Luego tenemos canciones que parece que están a medio camino entre una parte y otra como "Taxman", "She Said She Said", "I Want To Tell You" o "Good Day Sunshine". Haciendo hincapié en esta última que creo que se nota más el contraste: entre el estribillo que es un poco soso, y la estrofa que mola bastante el ritmito y el piano acompañando a la voz queda muy chulo. Son dos estilos juntos, uno más "comercial", más fácil y predecible, con el otro que es más cuidado y original.

Por último hay que destacar también que tenemos un par de canciones con el sonido típico de música india: "Love You Too" y "Tomorrow Never Knows", sobre todo la primera, en la segunda sólo se oye algo parecido de fondo, pero no destaca mucho. Esta es la primera incursión de los Beatles y de George en este estilo de música, que después como muchos sabrán ha influido en varios discos más notablemente si cabe.

En general creo que es un disco de transición entre el primer sonido de los Beatles, más surfero, "rockandrollero", y quizá comercial, con el final que es un sonido... pues un poco único, como son los Beatles al fin y al cabo.

Queen - A Night At The Opera

En mi opinión este es el mejor disco de Queen y mira que los hay buenos (y alguno bastante criticable, todo hay que decirlo). Este es un disco genial. Tiene un trabajo increíble detrás, sobre todo en las voces y en todas las guitarras que grababan una y otra vez en las cintas, tanto que a veces se les llegaban a quemar literalmente.

Normalmente suelo comentar 2, 3 ó 4 canciones que destacan por alguna razón, pero es que en este caso todas las canciones son dignas de alabar por una o más razones. Personalmente me encantan "Lazing on a Sunday Afternoon", "'39", "Seaside Rendezvous", "Love of My Life" y "Bohemian Rhapsody".

La canción "'39", es buenísma con ese toque acústico que le da unos aires a folk o country, que además queda complementado con el sonido del contrabajo. Las canciones "Lazing on a Sunday Afternoon", "Seaside Rendezvous" y un poco "Good Company", que recuerdan a un espectáculo de vodevil o de burlesque, con un toque medio cómico y que suena a veces un poco a circo. Por lo que más querais, escuchad "Seaside Rendezvous"... cuántos sonidos e instrumentos diferentes, cuántas voces... es genial y divertidísima.

Piano con pequeños toques que recuerdan un poco a arreglos clásicos, como ocurre en la primera canción del disco "Death on Two Legs (Dedicated to...)" y en "Love of My Life". Incluso los arreglos y el solo de guitarra en esta última parece que estuvieran imitando a violines por la forma de tocar. Y no sólo tenemos arreglos instrumentales y voces sofisticadas, ya que canciones como "I'm in Love With My Car" o "Sweet Lady" supuran hard rock por los poros al estilo más clásico.

El trabajo de voces tan característico de Queen en general, se hace más evidente si cabe en canciones como "The Prophet's Song", "You're My Best Friend" o "Bohemian Rhapsody". En la primera hay una parte muy interesante en el que se quedan solo las voces haciendo una especie de canon, con un efecto de delay. En la segunda sencillamente acompañan al más puro estilo de Queen, pero sin ellas la canción no sería lo mismo sin duda, les dan un toque único a las canciones. Y bueno, si hace falta que diga algo sobre "Bohemian Rhapsody", háztelo mirar. Simplemente una de las mejores canciones de la historia del rock y el centro neurálgico del disco.

Por dejar ya todo atado quedaría la última canción del disco, una versión rock del himno "God Save the Queen", que no se a vosotros, pero escuchar esto después de haber escuchado un disco tan bueno hace que te "solidarices" y te sientas un poco inglés... qué demonios...¡Dios salve a la Reina! (a la inglesa).

Taj Mahal - The Natch'l Blues

Este disco me ha sorprendido un poco. Esperaba el típico disco de un bluesman ya entrado en años con sus típicas canciones de blues sin más. Bueno, no es del todo así. Ciertamente tiene canciones con la típica estructura de blues, como no puede faltar, pero es capaz de darle un poco de originalidad para que no resulte pesado, marcando a veces mucho la batería, "parones" y silencios, una armónica de vez en cuando, punteos de guitarra y sobre todo líneas de bajo muy muy notables. A pesar de ser un verdadero virtuoso con la armónica, hay que decir que Taj Mahal no le da un gran peso en la mayoría de las canciones.

Teniendo en cuenta que es un disco del año 68, y que por aquella época estaba resurgiendo el blues, se podría decir que fue de los primeros artistas en pasar del típico Delta Blues (más acústico y con gran peso de armónica), a algo más eléctrico y amplificado como es el Chicago Blues, aunque estas cosas siempre son bastante subjetivas.

Canciones como "Corinna", "She Caught The Katy And Left Me A Mule To Ride" o "The Cuckoo" tienen un estilo que recuerda mucho a Van Morrison, no sólo en las propias canciones, sino en general en la forma de cantar del señor Taj Mahal.

Además está la canción "You Don't Miss Your Water ('Till Your Well Runs Dry)", que es una balada con un toque soul muy muy chulo. Y para seguir con el soul está "Ain't That A Lot Of Love", que me trajo a la mente al fantástico James Brown, por la voz (muchos gritos y muy sentida) y por los arreglos de trompetas y saxos de fondo.

Yo diría a modo de conclusión que se trata de un disco de transición, entre algo más acústico y típico de los años 30, a algo más eléctrico y moderno de los años 70, y además, a pesar de que es un disco de blues técnicamente hablando, tiene claras influencias de soul, aunque sea sólo en 2 ó 3 canciones (no hay mas que verle de joven para darse cuenta de que el soul era muy influyente en él). Un disco interesante para escuchar y creo que poco habitual. Yo por mi parte estoy seguro de que ahondaré un poco más en el trabajo de este bluesman. A lo mejor descubro así alguna joyita oculta.

Muddy Waters - Hard Again

Muddy Waters es uno de los grandes del blues. Y este disco es uno de los mejores que tiene. Lo más destacable es que tiene la famosa canción “Mannish Boy” que ya es un clásico.

En general el disco tiene una presencia de la armónica bastante fuerte en casi todas las canciones que le da un toque muy especial, ya que al igual que actúa acompañando al resto de instrumentos, de repente hace un solo bastante virtuoso. Da gusto escucharla. También hay algún punteo de guitarra y arreglos varios. Todo muy clásico, pero le da un toque distintivo y de alguna manera disimula que lo que estás escuchando es, en muchos casos, básicamente la misma progresión de acordes una y otra vez, con algunos cambios como alargar algunos acordes mas de la cuenta, la línea de bajo, algunos riffs al principio o por mitad de la canción, un toque de piano, etc. Por cierto, cabe destacar la presencia del famoso Johnny Winter a la guitarra, que ya por sí solo es un grande, pues súmaselo a Muddy Waters.

Un aspecto que me ha encantado del disco es que al finalizar muchas canciones se les oye hablar, reírse .. vamos que se lo están pasando de puta madre mientras graban el disco, y eso se nota mucho. Como digo, no todo es lo mismo continuamente, hay alguna canción que de repente rompe con el estilo que llevaba hasta el momento, como ocurre con "I can't be satisfied", cuya columna vertebral es una guitarra slide, y todo bastante acústico. También destacar "I want to be loved" que usa un riff muy pegadizo que queda de lujo dándole un toque diferente al tema. Otra canción que hay que comentar es "Blues had a baby and they called it Rock N' Roll", más que nada por la letra que es la leche. Y por supuesto no me podía olvidar de "Mannish Boy". Es de esas canciones que tienen alma, y es eso mismo lo que le da ese "algo" que tiene de especial. Estos tíos están disfrutando tocando y cantando como nadie y lo plasman en la canción (no hay más que oír toda la cantidad de "Yeah!" que se escuchan). La canción es la más sencilla de todo el disco pero cuando la escuchas te teletransportas a otro lugar mucho mejor. Gracias Muddy.

Si te gusta el blues tienes que comprarte este disco, sin más.

Extremoduro - Material Defectuoso

He decidido empezar la primera entrada con este disco ya que cuando salió recibió muchísimas críticas negativas de los propios fans de Extremoduro. La mayoría coincidían en que “ya no es rock”, “han cambiado”, “han perdido la esencia del inicio”, etc. Bueno, opiniones hay para todo. Y en una cosa les doy la razón: es un disco diferente en cuanto al estilo. Pero no estoy de acuerdo con que no sea rock. Eso es sencillamente absurdo. El rock es un género musical muy amplio, y se pueden hacer cosas que son muy diferentes y que en general sigan siendo ambas rock. Aun así, ese es un detalle sin importancia, ¿qué más da lo que sea técnicamente? El caso es que está muy bien hecho. La música está muy currada, con muchos detalles, partes instrumentales a mansalva, arreglos de guitarra cuidados, de saxo y cuerdas en general.

En cuanto al hecho de que ya no es lo mismo, mi opinión es que los buenos músicos hacen muchas cosas y con el tiempo van cambiando. Evidentemente siempre hay algo que te gusta más que lo demás, pero eso no implica que sólo tengas que hacer eso. Además hacer muchas cosas diferentes enriquece la música que haces después, dando matices diferentes, incluso pudiendo mezclar varios géneros. ¿Creéis que un músico de corte clásico escucha sólo música clásica? ¿O que un músico de rock melódico o progresivo no escucha jazz, blues o samba o lo que le apetezca? ¿Alguien considera que “Sympathy for the Devil” no es rock? No lo creo. Pues es una canción que tiene congas y maracas, instrumentos típicos de samba o de música africana, y además en notable presencia en la canción. En mi opinión es absurdo criticar que haya cambiado como si fuera peor en sí mismo el hecho de cambiar. Puede cambiar, salirle algo mal y criticar que haya hecho algo de baja calidad, pero no criticar el hecho de que haya cambiado.

Creo que este cambio es para mejor. La calidad de las canciones es bastante buena y las letras están muy bien como siempre. Además las melodías que hace la voz suelen cambiar en vez de estar estáticas haciendo la misma melodía continuamente. Esos cambios y detalles, por lo menos por mi parte, se agradecen, porque enriquecen las canciones del disco y esas cosas sólo se consiguen evolucionando, escuchando muchas cosas diferentes y tras años de trabajo componiendo canciones.

Personalmente me encantan “Desarraigo”, “Tango suicida” y “Si te vas…”. Ésta última tiene una introducción que inspira buen rollo y tranquilidad, y después da un poco más de marcha pero sin pasarse y manteniendo la serenidad con la que empezaba. También me gusta cómo queda en esta canción en concreto el cuarteto de cuerdas, que está liderado por Ara Malikian. En “Desarraigo” hay una introducción que queda muy chula mucho más larga que va como en crescendo, aunque quizá más que relativo a la intensidad del sonido, en relación a la cantidad de instrumentos y sonidos en general que se van añadiendo poco a poco hasta completar el elenco. Y en cuanto a “Tango suicida”, creo que es la mejor canción del disco. Aquí son más notables todos los cambios de la canción, que son continuos, y también en la melodía que sigue la voz, que no se queda estática siempre haciendo lo mismo, en los arreglos y en las partes instrumentales. La letra de esta canción me parece genial. Tiene un estilo que creo que queda muy bien para el rock, la forma de decir las cosas, las palabras que usa… En general Extremoduro, en este disco y siempre, me gusta cómo ha hecho las letras. Es uno de mis grupos y artistas españoles favoritos en este sentido, junto con Joaquín Sabina, que en mi opinión parece que cada palabra está bien donde está y no podría ser de otra manera.

En conclusión, un gran disco de rock español para disfrutar un ratillo. Recomendado 100%.